"Bailando de Calle"

Los egipcios veneraban a la mística diosa Mesjenet, la cual era aludida a la maternidad y protectora en el parto; la oficial guardiana de la vida, también trazaba los cimientos en los que estaba postrado el universo y esculpió con sus propias manos la colina madre en donde se construyó al mundo. Determinaba el destino de los hijos como buena patrona de las madres, y era la figura en la cual recaía el vívido poder chispeante de un suspiro, de un latir, de una mirada…

Así mismo tiene por nombre la compañía de danza integrada por cuatro energéticas y dedicadas feminidades que, en común, buscan hacer explosiones rítmicas en el escenario, explosiones de vida que provienen de los más sumergidos pensamientos y emociones, los cuales se van entrelazando minuciosamente con una lírica que respalda cada uno de los pincelazos corporales.

Esta compañía es dirigida por Teresa Muro, quien la ha logrado llevar hacia la innovación constante durante diez años, quien a base de innumerables talleres, cursos y congresos, nacionales como internacionales, ha llegado a acumular conocimientos técnicos y prácticos en diversos estilos de la danza, así como jazz, ballet, danza contemporánea e, incluso, hip hop. Sólo de esta manera ha llegado a marcar sin titubeo su trayectoria como bailarina, directora y coreógrafa de la compañía que ha propuesto una fusión jazzística, clásica y contemporánea para pisar diferentes e importantes escenarios como el  Encuentro Nacional de Academias de Danza Jazz  en Toluca 02 y 03, el Encuentro Nacional de Baile Moderno en Acapulco 02, 03 y 04, el Premio Nacional de la Juventud 2002 en la ciudad de México en el Palacio de los Deportes, en el  5° y 8º  Congreso Nacional de Danza Jazz en Morelia y en el XXIV Festival Internacional de Danza Contemporánea “Lila López” en el año 2004 en San Luís Potosí.

El desarrollo dancístico que impulsa Teresa Muro es mezclando técnicas para dar vida a un movimiento que interprete la música y grite un sentimiento. Procurando apegarse a la música, el jazz lírico tiende a desfogar pasión y emoción retratando vivencias de un alma. La danza lírica tiene un corto periodo de vida relativamente, pues nace a partir de los géneros base de la danza y se le añaden líricas que se transforman en la fuente principal de inspiración y el delicado engrane para cada movimiento. Se puede relacionar con la fuerza poética, igual de expresiva y rítmica que se enfoca en expresar lo inexpresable de manera sutil, directa y espontánea.

El último proyecto de la versátil compañía lleva por nombre “Bailando de Calle” y junto con la sólida y profesional técnica, te dispara a un contagioso tren de calor que en esencia trata de desenmascarar cómo el alma y el cuerpo, a través del tiempo, caminan por las calles, dejando grabado el efímero segundo en que se convierte la vida. Define, a través de la dibujada colocación corporal, los momentos que respiran a partir de sustanciosas emociones, que ahogan a un cuerpo en la naturalidad de la noche hasta que detona el delirio, bajo el cual, estos entes dancísticos parecen perder razón para entregarla a la cómplice de todas las dudas y pasiones: la luna, bajo la cual los pensamientos cambian de forma y, cual reloj, lleva la cuenta de los momentos no vividos.

 La música con la que se ejecuta la íntima personificación de almas de “Bailando de Calle” va a cargo de algunas como Ely Guerra y Ximena Sariñana, quienes predominan por tener temas amorosos y profundos con un ritmo melódico, suave y a la vez penetrante, del cual depende la calidez del constante movimiento sostenido, del flujo, de la conexión imprescindible entre la respiración de cada una de las bailarinas y sus piernas, sus saltos, sus brazos, el énfasis de los sentimientos manejados; y, de manera trascendental, la conexión que logra establecer con el público y su imaginación.

Entre cada pieza musical, las luces se apagan y se deja escuchar, solamente, una voz calmada, suave y firme cual consciencia; la cual recita diferentes poemas que dejan en claro que se trata de una velada dirigida a lo que yace en lo más profundo de cada uno de los espectadores vivos y amantes de la misma vida. Son algunos poemas como: “Eran dos”, “Espero curarme de ti”, “Tu cuerpo está a mi lado”, “Besos”, y otros propios de Teresa Muro, los que terminan de desentrañar la inmensidad de imágenes, esencias, cuerpos, y conmociones que simplemente no pueden dormitar por siempre en la memoria. Devolviéndoles la vida al momento en que divagaron en las calles bajo la luna.

Con este desafiante proyecto, Teresa Muro, junto con las colaboradoras de la compañía, abarcan un fenómeno con el que se ofrece algo diferente para las diferentes necesidades de una modernidad dormida. Avanza mediante la sensualidad y amistosa imagen de un cuerpo femenino, hasta hipnotizar cual diosa, para sacudir y provocar lo más profundo de una idea, de la vida misma. Despertar lo más vivo de los vivos y muertos.

Lucero Cabañas Melo

La catrina

Esta es una representación de la muerte nacida de las ideas del caricaturista José Guadalupe posada, artista aguascalentense nacido 2 de febrero en el año de 1852-1913. Guadalupe posada en sus inicios es litógrafo, para más tarde mudarse a su propio taller para realizar trabajos de encargo, y después abrirse paso hasta ser considerado como  uno de los artista del pueblo aguascalentense más reconocidos, para esto Guadalupe posada  nos muestra  en sus dibujos la sátira en cuanto a los aspectos sociales y prejuicios de la época con el gobierno de  Porfirio Díaz.  Durante esta época pre- revolucionaria posada realizaría este dibujo representando habitantes que  trataban de aparentar el estilo europeo rechazando cualquier rasgo  con su cultura  indígena antigua, por esta razón vemos el nacimiento de la catrina. ¿Pero qué significa la catrina en verdad?  La figura de la catrina es un esqueleto que representa   al pueblo  y el gran sombrero que porta, como el que se utilizaba en aquella época, representa a la clase alta, esta representación de la muerte es una sátira de aquel tiempo por los indígenas que trataron de adoptar la vida y costumbres europeas para luego negar su cultura indígena, pero  posada se basa también en sus temores asía la vida misma y en sus creencias religiosas. como hoy día hace mucho tiempo atrás el hombre trato de explicar la muerte de diferentes maneras,  en el cristianismo  la muerte es el siguiente paso durante esta vida, mientras  que hay otras creencias las cuales dicha transición no existe y al dar este paso se acaba todo rastro sin dejar nada o pasar a otro nivel, de echo actualmente no se sabe a ciencia cierta que pasa después de este periodo, pero posada con sus representaciones de las actitudes mexicanas y su fascinación por los esqueletos supieron revivir las viejas creencias con las cuales estaban apegados los pueblos antiguos, actualmente  en México la muerte es vista como un personaje muy importante tanto en ritos religiosos y funerarios  de echo el 2 de noviembre es un día en que el pueblo mexicano  celebra a su gente difunta, mejor conocido como el día de muertos, algo extraño si vemos que en otras sociedades del mundo esto no es muy mal comprendido y hasta mal visto, por el gran choque cultural del mundo, pero es parte fundamental ya de la cultura mexicana con sus apenas cien años de existencia, la catrina en sus inicios de echo fue bautizada originalmente como garbancera  y significa las personas de sangre indígena tratando de imitar el estilo de vida europeo, se vuelve catrina hasta que el pintor mexicano diego rivera el cual estaba influenciado con las obras de posada la dibuja junto con su creador dando un paseo juntos, más tarde aparecería con sus atuendos extravagantes y en muchas otras poses como si se estuviera divirtiendo y de alguna manera nos incitara. Para la muerte todos somos iguales no importa la religión, creencias, color de piel o cual cualquier otro rasgo diferente en nosotros ya que la muerte solamente está esperando el momento para llevarnos a un paseo. Por eso  el mensaje que nos da la catrina es el reinos de nosotros mismos y olvidarnos por momentos que lo único seguro en la vida es la muerte. Por el momento en el estado de Aguascalientes y en México esta imagen es la más sobresaliente en cuanto al tema de la muerte, ya de echo es muy común el verla plasmada como parte indispensable  de la celebración del día de muertos, y no se queda solamente así ya es motivo de  creaciones artesanales y de más materiales. En Aguascalientes se le tiene como un gran orgullo, de hecho está construida en su honor una imagen de metal  en la entrada principal de la ciudad. Por lo tanto una obra de arte digna de todos sus premios con el orgullo de ser del artista aguascalentense José Guadalupe posada.

Trabajo final de taller de apreciación y crítica 1

Alumno: Víctor adán Luevano Martínez

“Retablo Independiente Mixta”

Ceron Tenorio Yazmin Berenice

“Retablo independiente mixta”

De Carlos Sánchez

En la casa de la cultura se encuentra la galería de la cuidad de Aguascalientes donde está expuesto el  “retablo independiente mixta” del artista Carlos Sánchez. Es un retablo de madera en el cual se demuestra una compleja estructura en la que se conjuga la arquitectura la escultura y la pintura donde se muestra que tiene un gran nivel de ingenio y creatividad del artista.

“Retablo independiente mixta” esta hecho de madera en el se muestran 7 personajes del México antiguo que son: Miguel Hidalgo, Morelos, Agustín de Iturbide, Ignacio Allende, Vicente Guerrero, Guadalupe Victoria y Josefa Ortiz de Domínguez; y dos personajes religiosos que es la virgen de Guadalupe y Jesús en la cruz. En el centro de este retablo está pintada la virgen y en la parte superior esta Jesús en la cruz pintado de negro, excepto la cruz, que también es de madera, los demás personajes están alrededor de la virgen y en solo cuatro personajes que están en la parte superior de este retablo tienen unas veladoras en unos pequeños vasos y la cera esta de colores patrios, ósea verde blanco y rojo representando la bandera de México. Ese tallado de madera es básicamente desinteresado en su forma ya que los pequeños detalles que muestra son sencillos porque solo están creados con líneas y curvas desfiguradas. La forma en que está diseñado este retablo da mucho de qué hablar ya que hace que los nueve personajes representados se muestren demasiado importantes para México, claro y ¿por qué no serlos?, si son ellos lo que aportaron a la independencia de nuestro México, comenzando con Miguel Hidalgo, un sacerdote que proclama la independencia de la Nueva España, después de muchas victorias épicas y cuando estaba cerca de tomar la capital, Hidalgo prefirió huir, lo terminaron capturando junto a 300 soldados. Le terminaron cortando la cabeza. A Morelos, un estudiante de sacerdote, que le ofrecieron propiciar la independencia junto con Hidalgo con quien estuvo muy relacionado, después los españoles lo capturaron e igualmente le cortaron la cabeza. Luego siguen dos generales importantes que fueron Allende y Vicente Guerrero quienes lucharon también por la independencia, al final de este retablo esta Agustín de Iturbide, primer emperador de México; Josefa Ortiz de Domínguez, quien se reunía con Allende e Hidalgo para planear la independencia; y al final esta Guadalupe Victoria quien fue el primer presidente de México. Para finalizar la virgen de Guadalupe en el centro y Jesús en la cruz en la parte superior del retablo, ¿esto que tiene que ver con toda la política antes mencionada?, ¿Por qué relacionar la política con la religión? Aunque el movimiento de la independencia estuvo muy mezclado con la religión ya que Hidalgo fue un padre, al igual Morelos fue un estudiante para ser sacerdote, así que tal vez el uso de símbolos religiosos por estas figuras de la política mas que nada lo atribuyo que lo hicieron para penetrar más fácil al pueblo porque les es fácil identificarse con la virgen de Guadalupe que con un hombre desconocido a la hora de ganar seguidores.

“Morir es nada, cuando por patria se muere. ¡Viva la independencia!.- esto es lo que dijo el autor respecto a este retablo, quiso decir que no importa aquella muerte ocasionada por la patria, sino mas bien es honorifico morir por ella, es una buena razón por la cual ir hacia la muerte, como si nada malo pasara después de morir, así representa la imagen de la virgen y Jesús.

¡Viva la independencia!

“Retablo independiente mixta”

De Carlos Sánchez

 “Morir es nada, cuando por patria se muere. ¡Viva la independencia!"

“Huapango” de José Pablo Moncayo, arreglo de Alfonso Moreno

Por Jimena Bonilla Romero

“La música es el verdadero lenguaje universal”.

Carl María Von Weber

¿A dónde me transportan las notas de una de las piezas de música orquestal más famosas y representativas de nuestro país? Sin duda, es una pregunta que no tendría una respuesta única. Podría ser a bellos paisajes como los que pintaban nuestros grandes muralistas, a las grandes edificaciones de nuestro país o quizá a una gran y colorida fiesta de un pueblo étnico.

“Huapango” es una pieza compuesta por José Pablo Moncayo García en 1941. Su nombre tiene varios significados. Sin embargo, la que más se asemeja es la siguiente: pieza popular mexicana que existe en dos variedades, huapango jarocho y huapango ranchero. La obra es el resultado de la combinación que Moncayo elaboró de tres huapangos alvaradeños, gentilicio que hace alusión al municipio veracruzano de Alvarado. Estos huapangos son El Siquisirí, El Balajú y El Gavilancito. Gracias al basto manejo de elementos mexicanos, es considerada como la pieza cumbre del movimiento musical nacionalista.[1]

Pero la razón de mi crítica no es la composición del maestro Moncayo, sino el arreglo de esta pieza para orquesta de guitarras realizado por el guitarrista Alfonso Moreno, el cual es interpretado por la Orquesta de Guitarras de Xalapa conducida por el mismo guitarrista y contenida en el disco “Fantasía Mexicana”.

Alfonso Moreno nació en la ciudad de Aguascalientes, Aguascalientes en 1950 y es considerado como el máximo exponente de la guitarra clásica de nuestro país y uno de los más grandes a nivel mundial. En 1995, fundó la Orquesta de Guitarras de Xalapa, con la cual ha realizado más de 1000 conciertos, en giras por México, Europa y Asia.[2]

Muchas obras han sido escritas para él, por compositores como Peter Panin, Francisco González, Armando Lavalle, Raúl Ladrón de Guevara, Jean Louis Petit, Xavier Camino, Luigi Mariotti, entre otros.[3]

Su repertorio abarca desde la música antigua, pasando los compositores antiguos, hasta la música contemporánea. Desde un inicio, la orquesta se enfocó a fines didácticos, dicho de otra forma, se creó con el fin de darle oportunidad a los alumnos de guitarra de formar parte de una orquesta. La orquesta ha tenido un gran éxito en Xalapa, en Veracruz y en el mundo.[4]

Desde sus inicios, la orquesta era de las pocas existentes de su tipo. Sin embargo, ahora se ha convertido en un ejemplo a seguir para la creación de más orquestas de guitarras, no solamente en México, sino en todo el mundo.[5]

Como dije anteriormente, el “Huapango” fue escrito como pieza para orquesta sinfónica. Yo catalogaría a esta pieza como un Rondó - Allegro, porque el tema principal se repite al inicio y al final de la obra con una gran carga de alegría y vivacidad[6], la cual se manifiesta principalmente por los violines y los instrumentos de aliento.

El arreglo del “Huapango” respeta su estructura original, en cuanto a armonía se refiere. Este tiene la misma duración que la versión original. Cada guitarra respeta su entrada en la pieza, nadie se adelanta ni se atrasa. Las guitarras suenan con mucha claridad, nada de titubeos. Las escalas tocadas por las guitarras muestran una impecable afinación.

La simulación de las percusiones, de los oboes y de las flautas al inicio de la pieza suenan armoniosamente. He de recalcar que la simulación de las percusiones me resultó bastante interesante debido a que los guitarristas lo ejecutan emitiendo el sonido golpeando la caja de la guitarra.

La parte donde intervienen las trompetas, los trombones, los cornos y la tuba suenan de una manera discreta, pero a su vez rotunda, con las notas mi, si y sol, producidas por las guitarra.

En cuanto a tecnicismos puedo destacar los glissandos utilizados en algunos pasajes de este arreglo, los cuales manifiestan esa fuerza o intensidad de aquellos ejecutados por los instrumentos de cuerda y los instrumentos de aliento, utilizados en la partitura original. También destaco la ejecución de los dobles arpegios, cuya clara e impecable sonoridad se percibe durante la última parte de la pieza.

En conclusión, pienso que cualquier pieza musical, sea o no de sinfónica, debe de ser respetada, es decir, nunca se le debe de modificar ninguna de sus partes. Enfocándome al arreglo del “Huapango” puedo decir que es una buena adaptación. He de recalcar que toda adaptación o arreglo modifica de una u otra manera la obra. Sin embargo, el arreglo para orquesta de guitarra de Alfonso Moreno demuestra que no es necesario omitir ningún pasaje de esta pieza. Todo esto se logra si se tiene un buen conocimiento de la obra. En base a esto, pienso que es un buen arreglo que en un futuro me gustaría volver a escuchar.

Bibliografía

Programa de mano del Concierto Familiar Infantil de la Orquesta Sinfónica de Minería. Nota de Juan Arturo Brennan.

www.alfonsomoreno.com

www.frasesypensamientos.arg

Abromont, Claude; De Montalembert, Eugène. “Tempo o Movimiento” en “Teoría de la Música, Una Guía”. México, Fondo de Cultura Económica, 2001, págs. 150 – 153.

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[1] Programa de mano del Concierto Familiar Infantil de la Orquesta Sinfónica de Minería. Nota de Juan Arturo Brennan.

[2] Disponible en: www.alfonsomoreno.com

[3] Ibid

[4] Ibid

[5] Ibid

[6] Términos extraídos de Abromont, Claude; De Montalembert, Eugène. “Tempo o    Movimiento” en “Teoría de la Música, Una Guía”. México, Fondo de Cultura Económica, 2001, págs. 150 – 153.

CASTILLOS DE LUZ

El mundo del arte en Aguascalientes está creciendo enormemente  gracias a jóvenes talentosos dispuestos a demostrar lo que pueden hacer. Uno de esos jóvenes es Carolina Cotera  graduada del ICA en Artes Visuales en el año 2008; fecha en la que se exhibió esta obra en la Casa de la Cultura.

La obra maneja colores como: amarillo (en su mayoría), blanco amarillento, las líneas en color  negro, un poco de rojo que remarca un semi-circulo, es una pintura que maneja las formas, podemos observar líneas paralelas  verticales que se unen en la parte superior del lienzo y entre ellas pequeñas líneas horizontales que formas cuadrados, trapecios y algunos triángulos, la parte central de la obra también contiene formas, pero estas son conformadas por líneas curvas y semi-curvas de color negro, las formas son de color amarillo y blanco, asemejan las torres de un castillo.

La artista maneja colores claros los que se supone aportan mucho en el lienzo: el amarillo aporta vida, alegría, la intensidad; la luz  está presente en toda la imagen  gracias a los tonos blancos y amarillentos, las líneas negras solo acentúan el contorno de las figuras.

El arte realizado por Cotera es abstracto, el cual como principal característica tiene el de hacer uso de figuras u objetos inanimados  como protagonistas y claro ejemplo es esta obra en la cual simples figuras geométricas nos pueden hacer creer que todo es posible.

La obra es una de las primeras realizadas por Cotera  profesionalmente, pero eso no le resta valor al contario la hace mas sorprendente.

Esta obra me parecer realmente extraordinaria, me gusta sobremanera el manejo de los colores, la perspectiva que hace que me sea  posible admirar un castillo con grandes torres con ventanas, de las cuales irradia  una luz brillante, coronado con un cielo en pleno resplandor del sol.

Esa es la magia del arte ver algo increíble en donde nadie lo ve, especialmente en el arte abstracto, ya que en mi opinión es el arte en que se explota más en talento y la creatividad del artista. Pues no es fácil unificar los colores, darles vida a figuras geométricas,  sin utilizar ni por error un solo ser vivo.

El arte en México ha dado grandes nombres, pero desgraciadamente son pocos,  es importante conocer a esta generación de artistas que si recibe el impulso que requieren podríamos llegar a ver un mejor arte al del muralismo mexicano

Dulce Alejandra Castillo Martínez

Lic. Ciencias del arte y gestión cultural 1° semestre

Prof.: Mario Hernández / Jorge Terrones

Fuentes consultadas:

Pawlik, Johannes, Teoría del color,  ed. Paidos, España, 1999

Fernández, Justino, Arte mexicano de sus orígenes a nuestros días, ed., Porrúa, México, 1989

Du Pont, Diana c., El riesgo de lo abstracto, 2003

MIGUEL ESPINOSA “ARMILLITA CHICO”

En el gran corredor de la monumental plaza de toros de la ciudad de Aguascalientes. "Armillita chico" se prepara  para torear. Fijando su mirada en el morrillo de la bestia,  las banderillas ondean al soplar el aire  y el gran capote toca la arena de un solitario ruedo. El torero  no pierde su postura ante un toro de lidia, que sin embargo, con cara de sufrimiento, y el incesante dolor causado por las picaduras, nos muestra una postura firme, valiente y convencida. Las vestiduras propias de un torero, de las cuales un sector esta bañado de sangre  hacen presencia a los meticulosos adornos de su traje de luces color crudo, que le dan un porte lucido, en el cual plasma su carácter y valentía.

Miguel Espinosa “Armillita chico” uno de los grandes matadores de aguascalentenses, cuya despedida fue el primero de mayo del 2005  ahora adorna el amplio pasillo de la monumental plaza de toros de la cuidad con una majestuosa escultura dedicada a el. Esta escultura de acero, se inaugura el 29 de abril del 2007, exactamente para las celebraciones sanmarqueñas, que como parte de la actividad ferial, es expuesta para la fiesta taurina. La escultura se encuentra aun lado de  la de su padre, Fermín Espinosa que al igual que el hijo, es un gran  icono de la tauromaquia aguascalentense.

La escultura fue realizada por el artista plástico Jorge de la Peña, quien es reconocido, por su participación en las fiestas taurinas como matador al igual que es admirado en diversos lugares del mundo como Japón, España, Alemania, Austria, EU, Colombia, Costa Rica y desde luego en  México por sus esculturas.

Hacer una obra de arte, que pueda ser apreciada por millones de personas es también el objetivo de los artistas, una obra que marque una tradición o un hecho histórico. Seguramente, el artista creo esta escultura, porque la actuación de “armilla” le fue de suma importancia, ¿Pero esto es lo que se merece un artista? Una obra abandonada y descuidada es la que ahora podemos contemplar. 

Esto es una muestra de que el arte mexicano esta sufriendo de una u otra manera un decline. Nosotros como espectadores debemos ponernos en el lugar del artista y tratar de entender lo que este nos quiere decir, y solo lograremos esto teniendo una mente abierta y un poco más de respeto hacia las obras. Independientemente si tuviéramos o no un conocimiento previo de las fiestas bravas.

Yo veo en esta obra un momento clave en la vida de este toreo, un momento histórico en la tauromaquia aguascalientense y  la valentía de “armilla” enfrentándosele a una bestia sin importarle el sufrimiento del animal. A pesar de todo, veo una obra incompleta una obra abandonada y a su vez dañada, que para mucho puede ocupa un lugar en el olvido. Es una pena observar como las banderillas elaboradas minuciosamente por el artista han sido hurtadas del lomo del animal, siendo que originalmente eran 3 y ahora solo hay 1 y más penoso aun, observar como la punta el estoque del torero se ha caído por oxidación y falta de mantenimiento. La placa donde se han grabado sus corridas y triunfos rayada ¿y que decir del suelo donde adornaban hermosas flores? Ahora se encuentra desierto y lleno de basura. 

Esto me hace pensar en lo que esto significa para un torero el reconocimiento o regocijo del publico y por consiguiente, su aceptación.¿Crees que es justo que esta obrar este expuesta en esas condiciones al público?