lunes, 13 de diciembre de 2010

CECILIA LOY DE LEÓN, ACTRIZ.
OBRA DE TEATRO: “ALICIA”.
 “El inconsciente manda a la mente toda clase de bromas…fascinantes porque llevan las llaves del reino de la aventura deseada y temida del descubrimiento del yo.”
                                                                                Joseph Campbell.

En el escenario se oye a Alicia, (Cecilia Loy), gritando: “Uno, dos, tres, cuatro…estoy muy emocionada porque hoy vamos a hacer un gran viaje”, mientras se desliza por  un túnel, que se suponía era solo la madriguera de un conejo; sin embargo, no es así, es un camino en sus sueños, el camino que ella quiere tomar para poder burlarse de su realidad. Es el túnel que recorre la intérprete de este personaje cada vez que lo ensaya. Tal vez, la lleva a mundos muy profundos, no lejanos, y que habitan en muchos de nosotros.
Cecilia Loy De León nace en Aguascalientes, estudió Teatro y Artes Visuales. Tras participar en varios proyectos teatrales, decide hacer realidad su propia idea teatral, que hacía mucho ella planeaba: “Alicia”. Percibo que su proyecto es una combinación de sus conocimientos con su “otra realidad”, como la llama ella, la realidad que se manifiesta en sus sueños, en su imaginación, mientras duerme o mientras se mantiene despierta, puede suceder en cualquier momento, cada vez que quiere reírse de lo que le pasa cotidianamente. Hablo de una combinación por los elementos usados en esta obra. Su objetivo es integrar escenografía, vestuario y actores, trabajar en unidad, en interdependencia. El propósito es bien logrado, y es aquí donde sugiero que se combinan sus conocimientos con su imaginación, la escenografía son algunas paredes con textura que forman una especie de laberinto, es el espacio del personaje, ahí corre, juega y fantasea. Su vestuario les da un aire de misterio a los personajes. No sabes qué ocurrencias van a tener sobre todo “Alicia”. Cecilia hace parte de ella esta espontaneidad. Va por el escenario actuando con la genialidad que su personaje le requiere, se integra como si fueran sus propias realidades y fantasías.
La propuesta es una Farsa, la cual es un tipo de obra teatral, combinada con la filosofía del Existencialismo. La Farsa se caracteriza porque sus personajes tienen comportamientos extravagantes, sin perder credibilidad, además de que muestra hechos exagerando la realidad y muchas veces criticándola. Tal como lo muestra el personaje que interpreta Cecilia Loy. “Alicia” esta vez es diferente, está sumergida en una realidad más pesada y áspera, se encuentra en  un túnel que puede ser más sombrío del que nosotros relacionamos típicamente con este personaje. Ella corre, juega con sus cabezas de muñecas, son sus acompañantes cada vez que quiere fugarse y pensar en otras historias que aparentemente no le pertenecen. Su realidad es dura, ha vivido su infancia junto a sus dos padres drogadictos, para los que ella misma sirve la dosis diaria para cada uno. Entonces, su única manera de burlarse de esa vida, es haciendo historias con esas cabezas de muñecas, las regaña por tener el mismo miedo que ella, por hablar todas sus fantasías, por hablar de su inconsciente, de su yo. No puedo asegurarlo, aunque tal vez así es como Cecilia se identifica un tanto con este personaje. Interpreta de gran manera a “Alicia”, en el escenario se convierte en una niña, que enfrenta sus miedos con fantasiosas y burlescas historias. Habla y actúa como tal, sin aburrirnos con su actuación, ya que es dinámica en voz y movimiento. El énfasis que le da a sus diálogos es preciso para darle el tono que necesita la farsa, habla con imaginación, humorismo y se le da credibilidad a su personaje. Cecilia plantea una idea basada también en el movimiento filosófico del Existencialismo, como menciono antes, el cual se refiere a la existencia humana concreta y como señala Jean-Paul Sartre, uno de los personajes principales de esta filosofía, “…el hombre es lo que él mismo se ha hecho, en él la existencia precede a la esencia”. Esta filosofía señala, que el existencialismo es humanismo y ve al hombre, no como un sobresaliente de todos o que la humanidad resalte en conjunto, sino como el que rige en él mismo con libertad y tratando de trascender sus situaciones. El personaje de “Alicia” me sugiere que se identifica en este punto con el existencialismo. Ella existe y ve su alrededor, se toma la libertad de crear aventuras que le permitan vivir y enfrentar sus miedos, entonces ella es la que rige su mundo, la entorno que ella ha creado. Esto nos transmite Cecilia en su personaje teatral, es como si “Alicia” se desconectara de su entorno para hacerse muchas preguntas, como: ¿hacia dónde voy?, ¿quién está a mi lado?, ¿es está mi realidad… la quiero? Son preguntas que el mismo espectador pudo haberse hecho alguna vez, y la respuesta que sugiere la actriz es, ese otro mundo individual, que puede ser el mundo real aunque parezca que tiene personajes extraños, es el mundo que te puede hacer existir. Cecilia tiene una personalidad introvertida, que en el momento de actuar deja a un lado, por eso puede ser que siempre quiso interpretar a “Alicia”, porque actuando saca su “otra realidad”, que tanto disfruta.
La obra es una adaptación de la película “Tideland”, que es una versión diferente de “Alicia en el país de las maravillas”, es por eso que el personaje habita en un mundo más dramático, con mucha hostilidad y personajes demasiado extravagantes, pero no muy lejos de la realidad social. El humorismo que maneja la obra nos permite disfrutarla sin sentir un pesado drama.
Cecilia Loy nos brinda una actuación que nos hace reflexionar sobre nuestra latente imaginación que siempre nos acompaña, es parte de nosotros, ese mundo que siempre tratamos de mantener en la inconsciencia, que si algunas veces le permitiéramos manifestarse en la consciencia puede hacer que llevemos a cabo alguna genialidad.

María de Jesús Elizalde Peña
Universidad autónoma de Aguascalientes
Centro de arte y cultura
Licenciatura en ciencias del arte y gestión cultural
Clase: taller de apreciación y crítica
Jorge Terrones y Mario Hernández
Tarea: Crítica final
Autor de la obra: Viveros
Obra: sin titulo
Daniel López López
13/Diciembre/2010


«El viejo se debilita día a día, sus oídos se vuelven
sordos, su vista se baja, su fuerza declina, el corazón no descansa. La
boca se queda muda y ya no habla. Sus facultades mentales merman: no
consigue recordar hoy lo que hizo ayer. ( ... ) La vejez es la peor de las
calamidades que puedan afligir a un hombre»[1]



Es así como nos muestra Viveros en sus lienzos la vida cotidiana, el ser un anciano, un hombre, una mujer, un niño, etc., la esencia del ser humano plasmado en sus  obras, en  un cuadro pintado en el 2009 capturó exactamente eso: la esencia de un anciano. Estamos hablando de un óleo sobre lienzo de aproximadamente 60 cm por 40 cm. Viveros es un artista contemporáneo nacido en Aguascalientes y actualmente radica en dicha ciudad, ha dedicado su vida principalmente a la pintura. Gran parte de su obra se encuentra actualmente en el café-bar La mandrágora, donde podemos observar una serie de lienzos con una característica en común: son escenas o personajes de la vida cotidiana donde se puede apreciar su gran interés por resaltar las costumbres y tradiciones de la región.
Uno de los cuadros que en particular me llamó mucho la atención, es uno donde representa a un anciano, un hombre, debilitado y con la mirada cansada. El retratista de la vida cotidiana nos muestra en su lienzo, el rostro de un hombre flagelado por el tiempo, este coge entre su mano un bastón de madera, no es recto ni liso, por el contrario tiene una textura visualmente áspera y curvilínea, éste se pierde de la parte superior a la inferior del cuadro que a su vez, es sostenido por su mano, pero esta  tiene una apariencia de desgaste por el paso de los años. Las venas sobresaltan de su frágil y arrugada piel, parece que no tiene fuerza alguna a desaparecido todo espíritu vigoroso de su juventud.
Luego, más a la derecha nos encontramos con el rostro recargado en el bastón, su expresión es la de un hombre cansado sin fuerza, exhausto de la larga vida que ha recorrido, sus largas y abundantes cejas cubren todo el alrededor de sus ojos, al igual su barba y su bigote tiende a poblar la mayor parte de sus labios y quijada, con tonos más blancos que el resto de los tonos del lienzo, nos dan la apariencia de que el pintor esta reafirmando la vejez del anciano aparentando las canas de aquel hombre.
 Pero el gran foco de atención es su mirada, manifiesta su desánimo y cansancio Esta mirada es penetrante, te atrapa en un sentimiento de pesadez, desaliento y ¿por qué no?, de tristeza. Un sentimiento único es como si al pararte enfrente del cuadro, te hiciera pensar de alguna manera que en realidad estas en frente de un espejo que te muestra a ti mismo pero en el futro, que toda la belleza, vigorosidad, fuerza, ánimo y juventud con la que hoy cuentas, no perdurará para toda la vida, que llegará el tiempo en el que se te habrá escapado la vida de las manos, en donde no serás más que una especie de libro, el cual sólo contiene una innumerable información y experiencia, pero esta ahí, arrumbada y necesita de alguien más para poder de alguna manera difundir lo único que le queda, el conocimiento. El cuadro te hace reflexionar sobre la brevedad de la vida y que, entre más pasa el tiempo, más pronto contemplarás ése rostro una vez más, con la excepción de que ya no va a ser en la galería sino en uno de los miles de espejos que nos rodean, ahora ya no será un desconocido el que esté en ésa imagen sino tu rostro pero trasformado por el paso del tiempo, lo contemplarás una y otra vez incrédulo de que sea posible que ése cuadro haya tomado vida en ti que se hubiese convertido en ti y ni siquiera te hayas dado cuenta de cuando paso.
Es así como este cuadro nos permite reflexionar acerca de nuestras vidas, lo que hemos hecho para disfrutarla. Antes de que el cuadro, que en un principio era bello y que únicamente reflejaba el rostro de un tierno anciano inofensivo, se convirtiera en una especie de apocalipsis personal que cobra vida y se convierta en tu futuro, ése cuadro entonces se burlará de tu inevitable futuro donde tarde o temprano serás tú el que esté siendo el protagonista del cuadro, en donde tu juventud se verá esfumada, y que si miras a tu alrededor, la vejez y la muerte son lo único que en realidad podemos decir que algún día llegaremos a obtener, como dice un viejo y sabio dicho popular, “es la realidad del tiempo, consuelo y verdugo que no perdona a nadie” (xnipereye) esta es la realidad del ser humano, de la cual no puedes escapar y que el cuadro de Viveros nos hace reflexionar, sólo tienes dos alternativas: envejecer y morir o aún peor: sólo morir.

Año: 2009
Ciudad: Aguascalientes
Técnica: oleó sobre tela
Localizado: café bar La mandrágora
Autor: Viveros






Bibliografía:


 http://www.mercaba.org/FICHAS/Anciano/ser_anciano_una_tarea_saludable.htm
http://xnipereye.wordpress.com/2007/10/29/el-delito-de-ser-anciano/


[1]  Citado por DE BEAUVOIR, S., La vejez, Edhasa, Barcelona 1983.
“Jesús Fructuoso Contreras: A pesar de todo”

“…y a pesar del hombre
no muere el hombre
qué pesar
porque a pesar de todo
la mano tiembla
cuando la poso en tu sombra
las alas sin vida en las sombras
qué mentira /
y a pesar de todo
me duelen las alas”
Fragmento, Manuel M. Ponce

La obra de arte guarda en sí su propio lenguaje. Quienes nos acercamos a ella, al observarla nos convertimos en uno solo; ella está ahí y nosotros con ella. Ha logrado captar nuestra atención; nos toma y nos conduce. El artista propone y el espectador se dispone y, en este sentido, la obra de la cuál haremos referencia en esta ocasión es una escultura hecha en mármol del aguascalentense Jesús Fructuoso Contreras, titulada Malgré Tout o bien, A pesar de todo, trabajo cuya réplica se puede apreciar en uno de los patios del Museo de Aguascalientes –ya que la obra original, cabe decir, se localiza en el Museo Nacional de Arte en la capital del país.
Lo que se observa en primera instancia es la figura de una mujer desnuda encadenada –tanto de pies y manos- sobre una superficie en relieve –al parecer rocosa- que da la sensación de arrastrarse hacia un punto desconocido pero con la vista hacia el frente. Su pierna izquierda –hacia adelante- sigue avanzando, mientras que con la derecha se apoya para poder encontrar este impulso. Por estar sus brazos inmóviles –sujetos por la espalda-, es con sus hombros con los que se empuja, quedando su vientre y pecho a ras de suelo. Aquí llama la atención la posición de sus manos, donde la derecha –con el codo levantado hacia arriba- es un puño cerrado listo para lanzar un golpe, en tanto que la izquierda está abierta, como si indicara su próximo triunfo, la salida hacia algo pero también, el dolor. Considero que esta es la única parte donde expresa este sentimiento ya que su rostro –un poco inclinado hacia la derecha-, no denota alteración alguna, por el contrario, permanece en completa tranquilidad: sabe que conseguirá su objetivo. El soporte de su cuerpo queda de igual manera a la derecha, por lo que su abundante cabellera cae hacia ese lado, aunque ciertamente, no parece tener mucho movimiento.
Pero, ¿por qué encadenada? La escultura en primera instancia, llama la atención puesto que ahí está sucediendo algo que parece escapar de nosotros. Las cadenas, como símbolo, son elementos entrelazados que bien pueden reflejar la unión de algo; empero pueden remitirnos a la esclavitud, a coartar la libertad de alguien. Hay un significado oculto. Así vemos que “[e]l simbolismo es el modo más adecuado a la enseñanza de verdades de orden superior, religiosas y metafísicas, es decir, todo lo que el espíritu moderno desprecia o rechaza” (Guénon citado en Blech, 2004:87) y frente a nosotros tenemos a una mujer desnuda, con ninguna otra cosa encima que metal en su cuerpo; éste le pesa y aún así, no se queja. Se mantiene impasible.
Esta escultura hecha en mármol hacia 1899-1900, es una de las obras más importantes de Jesús Contreras, nacido en la cuidad de Aguascalientes el 20 de enero de 1866 y, pareciera en todo momento un juego de hemisferios, de lados opuestos que se complementan entre sí por lo que no pueden quedar aislados uno del otro, que en palabras de Durand, diríamos que “la conciencia dispone de dos maneras para representarse el mundo. Una directa, en la cual la cosa misma parece representarse ante el espíritu […] Otra, indirecta, cuando por una u otra razón, la cosa no puede presentarse en ‘carne y hueso’ a la sensibilidad [por ello] el objeto ausente se re-presenta ante ella mediante una imagen” (citado en Bech, 2008:72). Independientemente del mito alrededor de la pérdida del brazo izquierdo de Contreras –creado por Amado Nervo, con quién convivió en París durante su estancia en el viejo continente)-, esta escultura proyecta un espíritu que está brotando en un contexto de suma desigualdad social, donde ser culto no era del todo una cuestión de solvencia económica sino del afrancesamiento de las maneras de las personas, por ejemplo.
Dicho sea de paso que, al mudarse a la ciudad de México y mostrar su talento fue acreedor a una Beca para estudiar en París en 1887 –para especializarse en la fundición del bronce-, por lo que entró en este grupo selecto de artistas que tuvieron la oportunidad de prepararse en la capital francesa durante el porfiriato y ello lo podemos apreciar desde el título de esta obra y en otras más.
El trabajo que venía haciendo Contreras era un tanto nacionalista, puesto que 20 de sus esculturas se encuentran en el Paseo de la Reforma de la capital mexicana por encargo de Díaz y Malgré Tout escapa a esta tendencia y, por su calidad y singularidad le valió su participación como Comisionado General de Bellas Artes en la Exposición Universal de París de 1900 donde obtuvo el Gran Premio de Escultura así como la Cruz de la Legión de Honor de la República Francesa por esta obra, entre otros reconocimientos.
Pero fue esta ciudad también donde perdería su brazo derecho a causa del cáncer, lo que con todo su carácter salió adelante y continuó trabajando con un solo brazo como alguna vez lo hubo dicho van Gogh "Sufrir sin quejarse es la única lección que debemos aprender en esta vida" y Contreras aprendió esta lección de una manera dura aunque sólo viviría un par de años más después de ello. La situación de la pérdida de su brazo, incluso, inspiró a artistas tales como Manuel M. Ponce, quien compuso una obra homónima, A pesar de todo, donde su ejecución es sólo con el brazo izquierdo.
Finalmente, es importante señalar que Malgré Tout es una escultura que se abre paso por una etapa de modernismo –de corte liberal- en México. Es una obra que atrae y magnetiza. Si bien es cierto que Contreras sólo estuvo en Aguascalientes hasta su adolescencia y que todo su trabajo lo realizó fuera de su ciudad natal, se ha convertido en un emblema para la ciudad que lo vio nacer.
Quizá Contreras se mantenía a la expectativa por algo o simplemente estaba dando el brinco hacia el nuevo siglo proyectando la fuerza de su espíritu al mostrar que, a pesar de estar sujeta de pies y manos, tranquilamente avanzaba sin mirar ni a los costados ni hacia atrás, sólo al frente y, junto con la criatura inocente y serena ante las vicisitudes de su realidad inmediata, se acompañarían mutuamente, en silencio, como si ella reflejara el deseo de Contreras de salir avante de su cáncer que terminaría con su corta vida –a los 36 años.
Ella habla, pero habla en silencio; él ha hablado, a través de su joven, pues A pesar de todo, la lucha por la libertad, permanece.


Sindy Maribel Bueno Gómez




Bibliografía
BLECH, Julio Amador. El significado de la obra de arte. Conceptos básicos para la interpretación de las artes visuales. UNAM, 2008
GONZALEZ Navarro, Moisés. Sociedad y cultura en el porfiriato. Cien de México, CONACULTA, México, 1994.

Sitios consultados:
http://www.mexicomaxico.org/Reforma/JesusFContreras.htm
Jesús Contreras y el romanticismo mexicano Disponible en: http://sepiensa.org.mx/contenidos/ponce/ponce_2.htm


Karla Jimena Villalva Camacho
ID: 139 000
Taller de Apreciación y Crítica I
Profesores: Mario Hernández
Jorge Terrones

Crítica de la obra: Primer Contacto

Cuando hablamos de arte contemporáneo, hablamos de las creaciones artísticas que se están realizando en la actualidad y este año se realizó la 4a Bienal de Dibujo y Pintura Enrique Guzmán, en la que participan artistas originarios del estado de  Aguascalientes ó bien que cuenten con más de cinco años de residir en el estado.  Las obras ganadoras se encuentran actualmente en exhibición en el Museo de Arte Contemporáneo N°8  entre las cuales  se encuentra la obra “Primer Contacto” de la artista Fabiola Yareli Carachure Sámano.
Esta peculiar obra es un políptico (obra dividida en varias partes) compuesto por 76 piezas. Cada una de estas piezas son bloques de cemento y los materiales que se emplearon en la elaboración son el acrílico y el grafito. La obra total mide 110x190 cm
Cada uno de los bloques de la obra tienen un dibujo de objetos cotidianos entre los que, si se ve la obra de izquierda a derecha encontramos: unas tijeras, un tinaco, una taza, una regadera, la figura de una dona, una cuchara, unos jeans, una alcancía de puerquito, un rastrillo, los zapatos de una muñeca, un trapo, un garrafón, un labial, una barra de jabón, un cono de tránsito, la llave de un lavabo, un botón, una olla, una maleta, unas pinzas, un foco, un tenedor, papel higiénico, una llave, un gancho de ropa, un silla, un escusado, un vestido, un contacto, un enchufe, unos tubos, unas pinzas para depilar, un seguro de ropa, una capsula, una bota, unas llaves, un matamoscas, un oso de peluche, una mano, un collar, un estuche de maquillaje, un pasador de cabello, una cuchara para helado, un teléfono de disco, unos ladrillos, una diadema, un lápiz de color azul, un sobre , una bolsa para mandado, un cepillo, una maseta, un atomizador, hasta llegar  al punto en donde la artista tiene dos bloques sin dibujo, uno se encuentra en la parte central de la obra y el segundo se localiza en la parte izquierda de la obra.
Los colores que se utilizaron en la obra fueron rojos obscuros, amarillos opacos, rosas pálidos, verdes azulados, anaranjados, violetas y azules todos estos variando en diferentes tonalidades empleados de manera plana simplemente para el fondo. También vemos mucho el uso de diferentes tonos de grises para la elaboración de los dibujos, y para la creación de las sombras y luz que reflejan los mismos, ayudando a que tomen forma y obtengan una  dimensión individual en sus respectivos bloques. La distribución de estos es peculiar ya que se encuentran suspendidos en la pared, y a primera vista pareciera que ninguna estructura les sostiene dándole un singular toque a la obra.
Los bloques se encuentran separados unos de los otros combinando tamaños y posiciones en el muro formando la figura de un rectángulo irregular, ya que encontramos bloques alargados y de diversos tamaños que brinda la impresión de que son parte de un todo.
Desde tiempos remotos los seres humanos han creado herramientas u objetos con diferentes finalidades, al principio para sobrevivir, después para ayudarse en diferentes tareas de modo que el propósito y utilidad de estos ha ido cambiando y se ha sometido al ritmo de la misma evolución que tiene el ser humano.  El hombre moderno ha llenado su vida con objetos, unos más sofisticados que otros pero que cumplen con una función que encontramos de cierta forma establecida.
Los objetos que  Fabiola Carachure plasma en su obra Primer Contacto, pueden resultar muy ordinarios para el espectador, e inclusive insignificantes, simples objetos cotidianos. Pero esto es precisamente el encanto que revela la obra, cucharas, tenedores, botones, llaves, etc. son objetos a los cuales estamos acostumbrados tanto, que inclusive ni siquiera nos preguntamos acerca de su origen  y simplemente nos enfocamos en su uso y en lo que nos ayudan a hacer o lo que nos facilitan así que de algún modo son un vinculo que tenemos para interactuar.
El arte es una forma que tiene el ser humano para expresarse, de decir cosas, y plasmar lo que siente y piensa, por lo que el arte contemporáneo es un reflejo de la situación por la que está pasando la humanidad, como dijo Peter Burke: “ El arte es constituye una especie de termómetro.” (Burke, 230) esto quiere decir que las creaciones artísticas son de cierta manera reflejo de lo que se está viviendo, aunque hay quienes piensan que el arte puede estar también adelantado a la época en que se realizó.
Primer Contacto es una manera creativa de acercarnos al arte contemporáneo. La manera en la que la artista plasma los objetos comunes que se encuentran en nuestra vida, de la manera tan peculiar como lo hizo, me llevo a pensar en todos esos objetos que a veces no les prestó demasiada atención y en como ahora los artistas emplean tiempo, esfuerzo, imaginación, creatividad y originalidad para hacerlos parte de nuestra vida de una diferente manera. ¿Quién pensaría que va al museo de arte contemporáneo a ver objetos que ve todos los días? Los objetos que Fabiola Carachure nos muestra en su obra pueden ser objetos muy conocidos y utilizados, pero la manera en como los plasmó, es como volver a conocerlos o volver a reconocerlos. Esta es la magia del arte contemporáneo, y Primer Contacto una muestra clara de la calidad artística que genera Aguascalientes.

Ana Iris Estrada Ramos. Lic. Ciencias del Arte y Gestión Cultural.

Aura, pacto de amor
“-Todo es aquí, el tiempo es una trampa y es constructor de sueños, el amor une cuerpos y traslada espíritus, la muerte es el pacto con la otra vida.-”
-Carlos Fuentes-


Con esta frase fue con la que termina la puesta en escena “Aura, pacto de amor”.  Una adaptación de la obra original “Aura”, del  escritor Carlos Fuentes. La que fue presentada el pasado 22 de Octubre en las instalaciones del CBTis39, por el grupo de teatro “Ahel del CBTis 39”, con la dirección el  Profr. Fernando García Araiza.
Obra del género Dramaturgo, la cual dura aproximadamente 30 minutos, contó con la participación de tan solo siete personas en escena; cuatro actores  y tres bailarinas. En la que se maneja un lenguaje serio y sofisticado, pero entendible, ya que si bien se, fue adaptada para todo tipo de edades así que era  necesario cambiarle a un léxico más digerible para el público, así también como aquellas fuertes y perturbadoras escenas que en la novela original se describían.

Ahora bien, “Aura, pacto de amor”, como si bien había dicho, es una obra basada en la novela “Aura” de Carlos Fuentes, en la que se cuenta la historia de un hombre llamado  Felipe Montero, un historiador que misteriosamente y por azares del destino, llega a trabajar como escritor  para una anciana llamada Consuelo. El motivo, era que le historiador  recapitulara todas y cada una de las memoras del ya difunto marido de la señora Consuelo. Felipe Montero acepta sin tener idea de lo atroz que sería su estancia en ese lugar, ya que tenía por condición irse a vivir a la vieja casona de la señora Consuelo hasta que su labor de escritor terminara. Al llegar, Felipe Montero se percata que la anciana no vivía sola, tenía por compañía a una joven y dulce señorita de a perlada piel y unos preciosos ojos de un verde que le penetraba hasta la más mínima y remota parte de su vigoroso cuerpo. Felipe Montero queda derrotado ante la sublime belleza de la joven, aquella de la que se enamora perdidamente, como si tuviera la sensación de que una llama  se vuelve a encender después de estar apagada durante mucho tiempo. Pasa el tiempo en la casona; un tiempo que no se percibe, ya que la tenue y abrumadora luz que la embargaba, disimulaban  un vacio sobrio sin tiempo ni espacio, y tan solo se llegaba a percibir la silueta de aquella joven del vestido verde que se paseaba con su pequeña campanita por aquellos pasillos largos y obscuros. La estancia de Felipe Montero se hacía más complicada e intolerante,  tener que ver cada noche a la anciana inerte en su cama con aquellos alientos que difícilmente salían de su vacio ser, o contemplar a la imposible Aura, aquella que jamás seria suya ya que pareciera que estaba atada al alma de la anciana, lo hacía todo más delirante para él. Felipe Montero llega al punto de no saber ni quien es, se sentía ahogado por sus penas, como si algo o alguien lo mantuvieran en constante vigilia.
En un momento de desesperación Montero se percata de las anomalías que estaban sucediendo, decide investigar, y se encuentra con la gran sorpresa de que todo era una farsa, el no estaba ahí por coincidencia; fue como si algo lo hubiese llamado a estar en ese lugar y enamorarse perdidamente de la joven sobrina de la señora Consuelo. Repentinamente Montero decide remediar  la situación de la forma más fácil que encontró, envenenar a la anciana para deshacer el supuesto hechizo en el que estaba envuelto  y con eso salir huyendo con Aura para siempre.

Si bien, la trama de la historia te envuelve en una atmosfera de misticismo y penumbras  que solo los actores en escena logran trasmitirte con cada verso y movimiento que ellos realicen. Si duda una excelente adaptación de una pequeña novela llamada “Aura” que según varios dicen, contiene ritos obscuros y eróticos en cada párrafo descrito de esa obra. En si una historia metafórica con mensajes ocultos en sus líneas, pero aun así no deja de ser impactante y sublime al que llegue ante ella.
En fin, la puesta en escena de “Aura, pacto de amor”, en una obra que vale la pena ver, aun que cuenta con un reparto bastante joven, saben lo que hacen y logran plasmarle la esencia a cada uno de sus personajes que en ellos interpretan. En si el grupo teatral “Ahel del CBTis 39”  es un grupo que va evolucionando día con día, y que sus esfuerzos se ven reflejados en cada obra que ellos realicen ya que al ser un grupo independiente, en el ámbito de que no les proporcionan los recursos para las escenografías, vestuarios, equipo o cualquier otro recurso que necesiten, ellos dan todo de sí y logran su objetivo, cautivar a cada espectador que contemple sus obras.


Gracias. 

referencias:
Fuentes, Carlos, Aura. Era, México, 2009
simbolismos y ritualidad de la novela en: http://www.literaturas.com/auracarlosfuentesceudave.htm



“El encierro” de Jorge de la Peña Beltrán   
Por Héctor Bautista Peñuelas




El imponente monumento titulado “el encierro” se encuentra en el estado de Aguascalientes a unos metros de la plaza de toros monumental en el andador de la feria de San Marcos, impone pues al caminar por el andador no puedes evitar poner la mirada en la enorme obra construida en 1986 cuyas dimensiones son veinticuatro metros de largo por diez punto cinco metros de ancho, con una altura de seis y medio metros la escultura nos muestra a siete toros los cuales se encuentran en diferentes posiciones, cada uno se encuentra en una posición particular y con distinto porte.
            Cada uno de los toros esta marcado con el fierro, es decir con el símbolo de una ganadería de la zona siendo este un reconocimiento a los ganaderos de este estado y un homenaje a esta misma tierra taurina por excelencia y tradición pues año con año en las verbenas abrileñas la plaza de toros monumental se viste de gala con los mejores seriales taurinos del país.
La figura contrastante entre este festín de esculturas de toros fundidos en bronce de cerca de una tonelada de peso es un caporal a caballo quien guía a los mismos hacia la plaza donde habrán de demostrar la casta a la cual pertenecen, el caporal, la autoridad en el ruedo esta vestido con un atuendo típico de la fusión de culturas folclóricas mexicanas mas sin perder la esencia del traje Español también fundido en bronce con un peso de mil setecientos kilogramos.
            Al pensar en  “encierro” la mente vuela a imaginar el sentimiento de claustrofobia que puede despertar en nosotros la palabra y no está del todo errado tener este pensamiento ya que en la tauromaquia un encierro consiste en correr dentro de pasillos cercados en las calles seguido de una manada de toros, estas prácticas son muy populares en España y en algunos lugares de América del sur sitios donde se festejan las fiestas taurinas.
            La representación de las esculturas en particular y no en el contexto general de la obra son los homenajes a los ganaderos quienes llevan a lidia a sus mejores toros pues el fierro grabado en cada uno de las bestias dan fe de ello mas en el contexto general de la misma obra es el sentimiento que el artista impregno en esta, la expectación antes de salir a la plaza mayor, la euforia antes de demostrar lo que por tanto se trabajo no solo del caporal sino de los distintos ganaderos y su devoción hacia su trabajo que se ve plasmado en los toros que crían y seleccionan cuidadosamente para lidia.
            La escultura representa el sentimiento de cualquier persona que se ha esmerado a lograr algo y lo está a punto de demostrar pues plasma el momento exacto en el cual el caporal guía a los toros quienes se mueven orgullosos por los pasillos hacia la plaza a demostrar su valía.
            La escultura plasma el amor y respeto de Jorge de la Peña Beltrán por la Tauromaquia pues no es su primera obra que lleva por tema principal las corridas, a su cargo se le encomendó por medio de los licenciados Francisco y Alberto Ruenes Escoto  la recreación de la estatuilla de San Sebastián Mártir premio instaurado en el año de 1989 por estos que se designa a la mejor faena realizada desde el día 20 de enero de ese año, una escultura siempre cambiante que mantiene su esencia, la de un hombre que ha sido alcanzado por banderillas.
            La estatuilla tiene gran renombre desde su inauguración ya que varios toreros de talla mundial la han obtenido por sus maravillosas faenas siendo Manolo Martínez quien cortara diez rabos en la monumental plaza de toros México, la obtuvo por primera ocasión al grito de ¡Manolo, Manolo y ya! Hasta su más reciente edición que es la creación de Jorge de la Peña el 20 de enero del año en curso otorgado a Arturo Macías “el cejas”. La magia y la importancia de la fiesta brava desde su aparición hacen que se vea la importancia de estos símbolos y el orgullo de los artistas que forman estas maravillosas obras incluyendo por supuesto a de la Peña Beltran.
            Tanto la estatuilla de San Sebastián como la escena de “el encierro”  posen cualidades que hacen que la obra cobre vida propia y que muy pocos artistas logran, plasmar el movimiento logrado por de la Peña en cada una de las figuras representadas hacen que la obra pueda ser vista desde cualquier perspectiva o por partes sin que se reste calidad a ninguna parte de esta y se vea en todo su esplendor.
            Burckhardt cita “de que me sirve una obra si no entiendo su contexto”, la escultura impone pues se encuentra cerca de la monumental plaza de toros, todo espectador que se dirige a las corridas y los que no se impregnan de ese sentimiento característico de las fiestas bravas y nuestra admiración y respeto por todo lo que las envuelve.


Fuentes: “Il Cicerone” (1855) Jacob Burckhardt

http://www.ags.gob.mx/cont.aspx?p=1882
“Malgré Tout”
“La escultura es el arte de
La inteligencia”
Pablo Picasso
Por: Blanca Lizaeth de la Cruz Medina.
   
       Actualmente el estado de Aguascalientes es reconocido más por sus estructuras de puentes, pasos a desnivel, que por sus artistas que han nacido en este estado y por sus obras que realizaron a lo largo de su vida. Aun así, cabe destacar que han perdurado los museos que actualmente siguen abiertos al público, y que exhiben algunas obras de los artistas locales, uno de ellos es el museo Aguascalientes.
      Este museo se encuentra a un costado del reconocido Templo de San Antonio, en este museo exhiben obras de Saturnino Herrán y además de Jesús F. Contreras, entre otros. Dos artistas locales, cabe destacar que ambos son dos personas muy reconocidas, en cuanto a Jesús F. Contreras, es muy reconocido por su obra escultórica titulada “Malgré Tout”.
       Esta obra titulada así, principalmente en francés, lo cual quiere decir “a pesar de todo”, al ver esta escultura, se alcanza a definir que la mujer esta encadenada, desnuda y además su cara refleja tristeza. Está hecha de mármol, realizada alrededor de 1900, pues fue en la época del Porfiriato. Es una obra perteneciente al arte contemporáneo. Algunas personas que llegaron a conocer a este gran artista aguascalentense, llegaron a decir que esta gran obra de arte fue realizada después de que le amputaron el brazo, pero cabe aclarar que no fue así ya que se lo amputaron después de haberla realizado.
      Esta obra realmente está ubicada en el estado de México, y por desgracia la réplica se encuentra aquí en el museo de Aguascalientes, considero que para darle mayor importancia a las obras, estas deben estar ubicadas donde nacieron y vivieron los creadores, que es,  este caso Jesús contreras fue de  aquí Aguascalientes, así que la obra autentica debería estar en el museo y no la réplica. A pesar de todo lo que vivió el artista, estará más que bien que estuviera en Aguascalientes, pues Jesús fue uno de los grandes escultores de México alrededor del siglo XIX.
     Principalmente el titulo, se debe o se interpreta que “a pesar de todo” (titulo de la obra) Jesús no se dio por vencido, no decayó por su brazo, por algo es muy reconocido, la obra refleja sufrimiento, y delimitación ¿Por qué?, delimitación por su accidente en el brazo, sufrimiento por haberlo perdido, pero como lo mencione anteriormente, digno de admirar por no darse por vencido.
   Al conocer su obra y la vida del artista es fácil interpretarla, pues lo que trata de hacer el artista en su obra es expresar, en este caso expreso lo que él sentía en ese momento de su vida. La mujer se muestra encadenada y tirada en el suelo, las cadenas delimitan mucho a la mujer, ya que muestra cierta impotencia, lo cual tal vez llego a sentirse así Jesús, la posición de la mujer es o hace alusión de que esta tirada en el suelo, lo cual debe significar cierta derrota para el artista. En cuanto a la desnudez de la mujer, se interpreta como la desprotección, lo cual otro aspecto que refleja de su vida el artista, pues cuando llega la depresión en su caso por el acontecimiento, llega a pasar que se sienten desprotegidos e impotentes.
       Su cara refleja tristeza, por lo que vivió en un lapso de su vida, en ese lapso que le provoco estar así.


     Cabe destacar que en toda la obra, tiene un toque de la vida de Jesús Contreras, pues refleja muchos aspectos de su vida, comenzando desde el titulo de la obra, lo cual paso un instante de su vida en Francia (de ahí el título en francés). Pero aun así, es una obra digna de apreciar y valorar, ya que refleja más que el esfuerzo mismo de autor. Es digno de admirar su fuerza que tuvo a lo largo de su vida.
    Digno de admirar su gran trabajo que logro, porque esta es solo una de sus maravillosas obras de arte.  Vale la pena ir al museo de Aguascalientes para apreciar la gran obra de arte del señor y digno de este estado.

LICENCIATURA EN CIENCIAS DEL ARTE Y GESTIÓN CULTURAL
TALLER DE APRECIACIÓN Y CRÍTICA.
Referencias: